Casa Asnago e Vender

1. 01

   Rubén Guerrero

   S-t (Ohne Titel), 2023

   Öl auf Papier, 71 × 62 cm

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   Rubén Guerrero (Utrera, Sevilla, 1976) ist einer der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischen spanischen Abstraktion. Nach dem Studium an der Universität der Schönen Künste in Sevilla entwickelte er eine künstlerische Forschung, die um das Verhältnis von Malerei, Materie und Raumkonstruktion kreist, und stellte in zahlreichen internationalen Institutionen und Galerien aus. Sein Werk steht in der Tradition der geometrischen und postminimalistischen Abstraktion, unterscheidet sich davon jedoch durch einen äußerst physischen Umgang mit der Farbe: Jedes Zeichen ist das Ergebnis einer wohlüberlegten Geste, in der die Malerei zugleich Oberfläche, Objekt und Struktur wird.

   In diesem Werk reduziert Guerrero die malerische Sprache auf ihre wesentlichen Elemente. Auf einem hellen, fast ungreifbaren Grund ordnen sich wenige Farbbänder an – Hellblau, Rosa, Ocker und Braun –, die sich überlagern, ohne ineinander zu verschmelzen, wie Balken einer provisorischen Konstruktion. Die Komposition wirkt streng, aber nicht starr: Jedes Element scheint eine stabile Position zu suchen und bewahrt dennoch ein Gefühl der Fragilität. Gerade diese Spannung zwischen Gleichgewicht und Instabilität bildet den Kern des Werkes.

   luisadelantadovlc.com/en

2. 02

   Mihailo Beli Karanović

   Milano, 2009

   Mischtechnik auf Papier, 38 × 28 cm

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   Mihailo Beli Karanović (Serbien, 1980) begann im Alter von zehn Jahren im Atelier eines bekannten serbischen Künstlers Maltechniken zu studieren und zog mit einundzwanzig nach Italien, um an der Accademia di Brera in Mailand Bildende Kunst zu studieren. Heute lebt und arbeitet er zwischen Belgrad und Mailand, malt seit über dreißig Jahren und schafft neben der Malerei Skulpturen aus wiederverwendeten Materialien. Sein Werk, das vor allem Stadtlandschaften und Porträts gewidmet ist, verbindet zeitgenössische Konzepte mit traditioneller Malerei: In seinen jüngsten Arbeiten stellt er Zitate von Gesichtern aus Renaissance und Barock zeitgenössischen botanischen Elementen gegenüber, in einer Malerei, die in aufeinanderfolgenden Schichten aufgebaut ist, und mit einer bewusst begrenzten Palette.

   In Milano, einem Frühwerk von 2009, setzt Karanović die Stadt aus Fragmenten zusammen. Auf einem Papiergrund mit graublauen Lasuren und ockerfarbenen Flecken teilt ein Raster feiner weißer Linien die Komposition in vier Felder, wie ein Fenster mit Blick auf die Stadtlandschaft: In den Feldern erscheinen einige Wahrzeichen der Stadt, von den Säulen von San Lorenzo über die Galleria Vittorio Emanuele II bis zur Porta Ticinese, wiedergegeben mit schnellem, leuchtendem Strich. Schwarze, perforierte Bänder schließen die Szene oben und unten ab, als wollten sie einen Filmstreifen oder ein Notizband andeuten, während kaum lesbare Zeilen in Kursivschrift das Blatt durchziehen, wie eine geschichtete Erinnerung an Mailand.

3. 03

   André Kertész

   Sidewalk, Paris, 1929

   Silbergelatineabzug

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   André Kertész (Budapest, 1894 – New York, 1985) war einer der großen Meister der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Er begann 1912 zu fotografieren, während er sich auf eine Laufbahn im Finanzwesen vorbereitete, und zog 1925 nach Paris, wo er als freier Fotograf für europäische Zeitschriften arbeitete und mit den Künstlern seiner Zeit verkehrte. 1928 erwarb er eine Leica, und seine Arbeit auf den Straßen von Paris übte einen enormen Einfluss aus: Sie verband das fotojournalistische Interesse an Bewegung und Geste mit einer strengen Aufmerksamkeit für abstrakte Formen und war ein Bezugspunkt für Henri Cartier-Bresson, Robert Capa und Brassaï. 1936 emigrierte er nach New York, wo er schwierige Jahre durchlebte und für Zeitschriften arbeitete (für House & Garden von 1947 bis 1962). Nachdem er 1962 die redaktionelle Arbeit aufgegeben hatte, widmete er sich seiner persönlichen künstlerischen Arbeit und etablierte sich in den Siebzigerjahren als eine führende Figur der künstlerischen Fotografie. Er erhielt ein Guggenheim-Stipendium und wurde in die französische Ehrenlegion aufgenommen.

   In Sidewalk, Paris von 1929 fotografiert Kertész das Glitzern des Wassers, das am Bordstein entlangfließt, und macht daraus ein nahezu abstraktes Bild. Der vertikale Bildausschnitt, von oben und ohne Horizont, verflacht den Raum zu einer Abfolge von Flächen: links die grauen, matten Platten des Gehsteigs, rechts das Pflaster aus kleinen, regelmäßigen Steinen, dazwischen, beide trennend, die Diagonale des Wasserrinnsals, das sich, gekräuselt und vom Licht durchdrungen, in ein dichtes Geflecht aus weißen Reflexen und Schatten verwandelt, die sich über den Boden verzweigen.

4. 04

   Erica Bardi

   Untitled (from As long as the Sun lasts), 2025

   Fine-Art-Druck auf Hahnemühle Photo Rag Baryta

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   Erica Bardi (Neapel, 1998) studierte Malerei und Fotografie an der Accademia di Belle Arti di Brera sowie Fotografie am Cfp Bauer in Mailand; 2025 verbrachte sie ein Semester an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Ihre fotografische Arbeit verbindet eine materielle mit einer editorialen Dimension und befasst sich mit Themen rund um Umwelt und Klimakrise. Sie gewann den Liquida Grant 2023 und 2024 und veröffentlichte 2025 das Künstlerbuch As long as the Sun lasts bei Chippendale Studio.

   Dieses Werk ist Teil des Künstlerbuchs As long as the Sun lasts, 2025 bei Chippendale Studio erschienen: ein zwischen 2023 und 2026 entwickeltes Projekt, das aus einer Zeit des Schwankens zwischen Erstarrung und emotionalem Überfließen hervorgeht. Die Künstlerin identifiziert sich mit den Kometen, von denen sie ein Fragment wiedergibt und die je nach ihrer Entfernung zur Sonne lange Phasen des Stillstands mit Ausbrüchen von Aktivität abwechseln: Solange die Sonne existiert, kann der Komet – und mit ihm die Künstlerin – erwachen und lebendig bleiben.

5. 05

   Carmen Jiménez Suero

   Untitled (Ohne Titel), 2018

   Öl auf Leinwand

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   Carmen Jiménez Suero (Badajoz, Spanien, 1990) studierte an der Facultad de Bellas Artes der Universitat Politècnica de València, wo sie 2014 den Master in Producción Artística mit einer Forschungsarbeit über das Verhältnis von Malerei, Geste und Grafik abschloss.

   Ihre Arbeit konzentriert sich auf die abstrakte Malerei und die malerische Geste und erkundet die Grenze zwischen Zeichen, Materie und Raum. Ihr Weg ist geprägt von einer fortschreitenden Reduktion des Bildes, in der die Geste und die auf der Oberfläche hinterlassenen Spuren einen eigenständigen Wert gewinnen.

   Obwohl noch jung, hat Jiménez Suero bereits mehrere Auszeichnungen bei Wettbewerben und Preisen für zeitgenössische Malerei erhalten: 2014 wurde ihr der Premio de Pintura Segundo Vicente für das Projekt Espacios de Actuación verliehen, 2015 wurde sie beim Wettbewerb JABA für Malerei mit dem Werk Morfemas ausgezeichnet, und 2018 wurde sie unter die zehn jungen Künstler von CALL 20 gewählt, dem Programm der Galería Luis Adelantado in Valencia zur Erforschung aufstrebender Kunst.

   In diesem Werk schafft Jiménez Suero eine nahezu monochrome Oberfläche, beherrscht von Weiß-, Blau- und Grautönen, auf der kleine Farbspuren und dunkle Zeichen auftauchen. Auf den ersten Blick mag das Bild an eine entrückte Landschaft, eine Wasseroberfläche oder ein atmosphärisches Fragment erinnern; jeder mögliche figurative Bezug bleibt jedoch bewusst ungewiss.

   Der helle Grund neigt dazu, die Komposition aufzulösen, während die kleinen Zeichen – kurze Pinselstriche, Kratzer, Flecken und farbliche Verdichtungen – als Reste von etwas hervortreten, das gemalt, gelöscht und erneut gesucht worden zu sein scheint: Gerade die Geste wird so zum eigentlichen Gegenstand des Werkes.

   luisadelantadovlc.com/en

Die Werke gehören zur privaten Sammlung, die das Apartment bewohnt.