Casa Figini Pollini

1. 01

   Mohamed Zad

   White Brick, 2023

   Photograph on paper

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   A contemporary Egyptian photographer, Mohamed Zad (Cairo, 1984) focuses his work on the human and industrial landscapes of the Middle East, exploring the relationship between labour, environment and identity. Through a rigorous black-and-white language, his images turn everyday scenes into compositions of intense narrative power.

   White Brick portrays a brick kiln in Egypt, wrapped in an atmosphere suspended between reality and vision. The light does not simply illuminate the scene, it becomes its true subject: beams filter through smoke and dust, sculpting the workers’ figures in a refined play of backlighting.

2. 02

   Mercedes Mangrané

   Labio vegetal, 2018

   Olio su lino, 27 × 22 cm

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   Mercedes Mangrané (Barcellona, 1988) è una delle voci più interessanti della giovane pittura contemporanea spagnola. Vive e lavora a Barcellona, dove sviluppa una ricerca che si colloca al confine tra astrazione e figurazione, ispirata all’osservazione ravvicinata di superfici, muri, infrastrutture urbane e dettagli apparentemente insignificanti della vita quotidiana.

   In Labio vegetal Mangrané utilizza una tavolozza ridotta di verdi, rosa pallido e grigi, costruendo una composizione che sembra nascere dalla tensione tra materia pittorica e forma. Le dense stesure di colore, applicate con spatola, si piegano e si sovrappongono creando rilievi che rendono la superficie quasi scultorea.

   Il titolo, labbro vegetale, suggerisce una lettura organica dell’immagine: ciò che inizialmente appare come una composizione astratta richiama progressivamente membrane, foglie, pieghe della pelle o frammenti di paesaggio osservati da vicino. Questa ambiguità è uno degli aspetti centrali della ricerca dell’artista, che evita la rappresentazione diretta per evocare sensazioni fisiche e percettive.

3. 03

   Lamarche-Ovize

   Untitled, 2018

   Digital print

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   Florentine (Rosenheim, 1978) and Alexandre (Le Coteau, 1980) Lamarche-Ovize are a French artist duo who have worked together since 2006, with a multidisciplinary practice inspired by the plant and animal world, natural history and scientific illustration.

   The composition is dominated by a dense weave of botanical elements — flowers, seed pods and foliage — poised between scientific observation and imaginative freedom. The plant forms are enlarged, fragmented and recomposed into a dynamic structure, where transparencies and overlapping colours create a sense of continuous transformation.

   luisadelantadovlc.com/en

4. 04

   Marina Caneve

   #01 and #19, from the series Entre chien et loup, 2019–2020

   Canson Platine Fibre Rag paper on Alu-Dibond

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   Marina Caneve (Belluno, 1988) is an Italian photographer and visual artist whose work moves between photography, scientific enquiry and reflection on landscape. The diptych belongs to the series Entre chien et loup, made from the archives of the Museo Nazionale della Montagna in Turin: the title takes up the French expression for twilight, when the light no longer allows a dog to be told from a wolf — a metaphor for the threshold between knowledge and doubt.

   The two images speak to each other as complementary poles: the sphere enclosed in the triangular structure recalls the perfect geometry of the Matterhorn reduced to its essence as an icon, in a balance that is only apparent and hints at the vulnerability of the mountain landscape; the image crossed by thin white lines evokes geological layers, fractures in the rock, the traces of time.

   podbielskicontemporary.com

5. 05

   Antonio Torretti

   Il Viandante sulla Tangenziale, 2018

   Photographic print on aluminium

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   Antonio Torretti is a visual artist trained at the Brera Academy of Fine Arts. His work grows out of the observation of everyday life and uses photography, digital manipulation and the blending of images to reflect on the contradictions of contemporary society.

   The work reinterprets one of the most iconic subjects of Romantic painting — Caspar David Friedrich’s Wanderer above the Sea of Fog — replacing the sublime natural landscape with a ring road clogged with traffic. The solitary figure keeps the contemplative pose of the original, but the panorama is that of urban mobility: a subtle critique of modernity entrusted to irony and visual short circuit.

6. 06

   Francesco De Molfetta

   Allacciate le cinture, 2015

   Mixed media on canvas

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   Francesco De Molfetta (Milano, 1979), noto anche con l’acronimo DEMO, è tra gli artisti italiani più originali della sua generazione. La sua ricerca si sviluppa attraverso scultura, pittura e installazione, combinando iconografia pop, cultura di massa, storia dell’arte e immaginario contemporaneo. Le sue opere sono caratterizzate da un linguaggio ironico e dissacrante che, dietro l’immediata leggerezza, affronta temi più profondi quali il consumismo, la spettacolarizzazione della società e il rapporto tra realtà e rappresentazione. L’umorismo diventa così uno strumento critico, capace di trasformare oggetti comuni e immagini familiari in riflessioni sulla condizione contemporanea.

   In Allacciate le cinture De Molfetta porta all’estremo la riduzione del linguaggio visivo. Il titolo suggerisce immediatamente il consueto invito pronunciato prima di un decollo, ma qui l’azione dell’allacciare le cinture assume un valore ambiguo. Da un lato, invece di fissare una persona, la cintura “assicura” due lati di un quadro: un gesto apparentemente inutile e privo di significato. Dall’altro diventa una metafora dell’esigenza umana di trattenere, controllare e dare stabilità a ciò che, per sua natura, è vuoto, instabile o privo di significato.

   L’opera si colloca in una dimensione sospesa tra il ready-made duchampiano, il rigore minimale e una sottile atmosfera metafisica. L’oggetto reale invade lo spazio della pittura, ma non ne annulla il silenzio; al contrario, lo accentua. Lo spettatore è portato a interrogarsi se ciò che osserva sia un quadro, un oggetto o una sorta di paradosso visivo.

   Come spesso accade nella produzione di De Molfetta, il sorriso costituisce soltanto il primo livello di lettura. Dietro l’apparente semplicità emerge una riflessione sul bisogno di attribuire senso alle cose e sulla fragilità degli equilibri che costruiamo. La cintura non protegge realmente nulla: trattiene soltanto il vuoto, trasformando un gesto ordinario in un’immagine al tempo stesso ironica, concettuale e sorprendentemente contemplativa.

The works belong to the private collection living in the apartment.