Casa Figini Pollini

1. 01

   Mohamed Zad

   White Brick, 2023

   Fotografía sobre papel

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   Fotógrafo egipcio contemporáneo, Mohamed Zad (El Cairo, 1984) centra su investigación en los paisajes humanos e industriales de Oriente Medio, indagando la relación entre trabajo, entorno e identidad. Con un riguroso lenguaje en blanco y negro, sus imágenes convierten escenas de la vida cotidiana en composiciones de intensa fuerza narrativa.

   White Brick retrata un horno de ladrillos en Egipto, envuelto en una atmósfera suspendida entre realidad y visión. La luz no se limita a iluminar la escena: se convierte en su verdadero sujeto. Los haces luminosos se filtran a través del humo y el polvo, esculpiendo las figuras de los trabajadores en un refinado juego de contraluz.

2. 02

   Mercedes Mangrané

   Labio vegetal, 2018

   Olio su lino, 27 × 22 cm

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   Mercedes Mangrané (Barcellona, 1988) è una delle voci più interessanti della giovane pittura contemporanea spagnola. Vive e lavora a Barcellona, dove sviluppa una ricerca che si colloca al confine tra astrazione e figurazione, ispirata all’osservazione ravvicinata di superfici, muri, infrastrutture urbane e dettagli apparentemente insignificanti della vita quotidiana.

   In Labio vegetal Mangrané utilizza una tavolozza ridotta di verdi, rosa pallido e grigi, costruendo una composizione che sembra nascere dalla tensione tra materia pittorica e forma. Le dense stesure di colore, applicate con spatola, si piegano e si sovrappongono creando rilievi che rendono la superficie quasi scultorea.

   Il titolo, labbro vegetale, suggerisce una lettura organica dell’immagine: ciò che inizialmente appare come una composizione astratta richiama progressivamente membrane, foglie, pieghe della pelle o frammenti di paesaggio osservati da vicino. Questa ambiguità è uno degli aspetti centrali della ricerca dell’artista, che evita la rappresentazione diretta per evocare sensazioni fisiche e percettive.

3. 03

   Lamarche-Ovize

   Sin título, 2018

   Impresión digital

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   Florentine (Rosenheim, 1978) y Alexandre (Le Coteau, 1980) Lamarche-Ovize son un dúo artístico francés que trabaja junto desde 2006, con una investigación multidisciplinar inspirada en el mundo vegetal y animal, la historia natural y la ilustración científica.

   La composición está dominada por una densa trama de elementos botánicos —flores, cápsulas y follaje— en equilibrio entre la observación científica y la libertad imaginativa. Las formas vegetales se amplían, fragmentan y recomponen en una estructura dinámica, donde transparencias y superposiciones cromáticas generan una percepción de transformación continua.

   luisadelantadovlc.com/en

4. 04

   Marina Caneve

   #01 y #19, de la serie Entre chien et loup, 2019–2020

   Papel Canson Platine Fibre Rag sobre Alu-Dibond

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   Marina Caneve (Belluno, 1988) es una fotógrafa y artista visual italiana cuya investigación se desarrolla entre fotografía, indagación científica y reflexión sobre el paisaje. El díptico pertenece a la serie Entre chien et loup, realizada a partir de los archivos del Museo Nazionale della Montagna de Turín: el título retoma la expresión francesa que designa el crepúsculo, cuando la luz ya no permite distinguir un perro de un lobo — metáfora del umbral entre conocimiento y duda.

   Las dos imágenes dialogan como polos complementarios: la esfera encerrada en la estructura triangular remite a la geometría perfecta del Cervino reducido a su esencia de icono, en un equilibrio solo aparente que sugiere la vulnerabilidad del paisaje de montaña; la imagen atravesada por finas líneas blancas evoca las estratificaciones geológicas, las fracturas de la roca, las huellas del tiempo.

   podbielskicontemporary.com

5. 05

   Antonio Torretti

   Il Viandante sulla Tangenziale, 2018

   Copia fotográfica sobre aluminio

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   Antonio Torretti es un artista visual formado en la Academia de Bellas Artes de Brera. Su investigación nace de la observación de lo cotidiano y utiliza fotografía, manipulación digital y contaminaciones entre imágenes para reflexionar sobre los contrastes de la sociedad contemporánea.

   La obra relee uno de los temas más icónicos de la pintura romántica —El caminante sobre el mar de nubes de Caspar David Friedrich— sustituyendo el sublime paisaje natural por una ronda de circunvalación colapsada por el tráfico. La figura solitaria mantiene la pose contemplativa del original, pero el panorama es el de la movilidad urbana: una sutil crítica a la modernidad confiada a la ironía y al cortocircuito visual.

6. 06

   Francesco De Molfetta

   Allacciate le cinture, 2015

   Técnica mixta sobre lienzo

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   Francesco De Molfetta (Milano, 1979), noto anche con l’acronimo DEMO, è tra gli artisti italiani più originali della sua generazione. La sua ricerca si sviluppa attraverso scultura, pittura e installazione, combinando iconografia pop, cultura di massa, storia dell’arte e immaginario contemporaneo. Le sue opere sono caratterizzate da un linguaggio ironico e dissacrante che, dietro l’immediata leggerezza, affronta temi più profondi quali il consumismo, la spettacolarizzazione della società e il rapporto tra realtà e rappresentazione. L’umorismo diventa così uno strumento critico, capace di trasformare oggetti comuni e immagini familiari in riflessioni sulla condizione contemporanea.

   In Allacciate le cinture De Molfetta porta all’estremo la riduzione del linguaggio visivo. Il titolo suggerisce immediatamente il consueto invito pronunciato prima di un decollo, ma qui l’azione dell’allacciare le cinture assume un valore ambiguo. Da un lato, invece di fissare una persona, la cintura “assicura” due lati di un quadro: un gesto apparentemente inutile e privo di significato. Dall’altro diventa una metafora dell’esigenza umana di trattenere, controllare e dare stabilità a ciò che, per sua natura, è vuoto, instabile o privo di significato.

   L’opera si colloca in una dimensione sospesa tra il ready-made duchampiano, il rigore minimale e una sottile atmosfera metafisica. L’oggetto reale invade lo spazio della pittura, ma non ne annulla il silenzio; al contrario, lo accentua. Lo spettatore è portato a interrogarsi se ciò che osserva sia un quadro, un oggetto o una sorta di paradosso visivo.

   Come spesso accade nella produzione di De Molfetta, il sorriso costituisce soltanto il primo livello di lettura. Dietro l’apparente semplicità emerge una riflessione sul bisogno di attribuire senso alle cose e sulla fragilità degli equilibri che costruiamo. La cintura non protegge realmente nulla: trattiene soltanto il vuoto, trasformando un gesto ordinario in un’immagine al tempo stesso ironica, concettuale e sorprendentemente contemplativa.

Las obras forman parte de la colección privada que habita el apartamento.